1925 年，一位名叫奥斯卡·巴纳克的工程师，在莱比锡春季博览会上展示了一个小盒子。

那个盒子叫 Leica I，在那个出门拍照要扛着几十斤重木箱和三脚架的年代，这个能塞进口袋的小家伙，把摄影师从脚架上解放了出来，人类从此有了「街头摄影」，学会了捕捉瞬间。

整整一百年后，世界的另一端，小米拿出了这台小米 17 Ultra by Leica。

与其说这是一台贴了徕卡标的小米手机，不如说，这是徕卡以小米的躯壳为蓝本，打造的一台能打电话的徕卡相机。

是的，我们在徕卡世纪之交的节点上，见证了百年前难以想象的事件：徕卡手机，小米造。

徕卡设计

把手机拿在手里，你的拇指会本能地寻找一个支点。

在智能手机统治的十几年里，实体按键日益衰落，屏幕交互成为大势所趋，屏幕越来越顺滑，反馈越来越灵敏，但同时也越来越像一块没有反馈的砖头，小米 17 Ultra by Leica 做的第一件事，就是找回触感体验。

视线聚焦到小米 17 Ultra by Leica 的背部，可以看到影像模组最外圈，多了一枚 「大师变焦环」。

这枚有着机械结构的变焦环由徕卡设计打造，试着转动它，久违的、带有油润感的机械阻尼会瞬间唤醒相机，再转动，它是变焦；你也可以把它自定义为曝光补偿、滤镜切换。

这种感觉颇为奇妙——在全面屏都在追求「无感」的时代，这枚环的存在是一种反叛，强迫你慢下来，用触觉去感知摄影的存在，并提醒你手里拿的，是一台以创作为主的机器。

视线绕过变焦环，一枚熟悉的可乐标跃然纸上，这是它第一次出现在小米的影像旗舰机身上，没有居中、没有放大，而是像徕卡 Q 系列一样，偏居一隅，低调但不失显眼。

这是一种非常「德式」的克制。

除了那枚经典的红标，小米 17 Ultra by Leica 的中框触感也在极力模仿一台真正的相机。

标准版的平滑边框不见了，取而代之的是一圈细密的金属滚花，这种设计类似于镜头光圈或对焦环的段落花纹，如果你仔细看，还能发现滚花中蚀刻着一行「LEICA CAMERA GERMANY」。

值得玩味的还有音量键。这一代 Ultra 抛弃了常见的长条设计，改回了颇具年代感的圆形按钮，小米的官方解释是「为了呼应机身的圆形元素」，听起来很设计学，但在我看来，理由其实更直白：

德味，从玄学到科学

如果说物理上的环和红标，是皮囊；那藏在拍摄模式最右边的「徕卡一瞬」，就是这台机器的魂。

「德味」到底是什么？

过去几年，对这两个字的解读众说纷纭，有人说是暗角，有人说是高饱和，也有人说纯粹是玄学。

这次，徕卡没打算再打哑谜——在徕卡亲自打造的「徕卡一瞬」模式里，徕卡选择将 Leica M3 与 Leica M9 两台经典机型作为德味的代表，带到移动影像上。

熟悉摄影史的朋友都知道，M3 是徕卡旁轴相机的巅峰之一，在这个模式下，小米 17 Ultra by Leica 复刻了今年徕卡最新的 MONOPAN 50 黑白胶片。

很多手机拍黑白，只是简单地抽干颜色。

但 Leica M3 模式不同，能将画面中的色彩，精准地映射到黑白曲线上，哪怕是红与绿、浅蓝与深蓝这种在黑白世界里容易混淆的颜色，在这里也能显示出截然不同的灰度，配合特意保留的粗粝颗粒感，拍出来的照片，影调曲线自然，对比略高，冲击强烈。

而 Leica M9，则可能是会让无数老法师泪目的一个模式——

徕卡全画幅 CCD 的绝唱，直到今天，二手市场上更换过官方传感器的 M9 依然价格不菲，就是因为 CCD 传感器有着 CMOS 无法比拟的油润感。

为了还原这种味道，小米 17 Ultra by Leica 做了一个极其任性的决定：在这个模式下，强制锁定日光白平衡，这意味着在某些场景下，你的照片会偏色，但从实际使用体验来看，这种「偏色」，反而偏出了灵魂——浓郁得化不开的色彩、仿佛琥珀般的油润质感，在回看照片的瞬间，真的会恍惚。

更妙的是，小米 17 Ultra by Leica 帮助 Leica M9 完成了一次去伪存真，以往 M9 高感不强、像素不高、夜间很难用的毛病，被计算摄影一笔勾销，将这个在数码时代开端诞生，留下经典和遗憾的机型真正带到了数码时代。

看完了 Leica M3 与 M9 两个内置经典机型效果后，我们已经可以对徕卡眼中的德味做出一个大概的概括：

除了富有辨识度的黑白和色彩外，影调是重中之重——承认光线有强弱，承认世界有明暗，允许阴影里一片死黑，也允许高光处有一点溢出，保留这种不完美，才是自然的好影调。

一黑一白，一胶片一 CCD，加上那枚由徕卡专门定制的专属水印，精致的边框一加，所谓的「德味」，在这个特殊的版本上，在徕卡的亲手打造下，终于完成了一次彻底的闭环。

有意思的是，在体验过程中，我们发现了一个很有意思的现象：

Leica M9 模式非常依赖云端大模型的生成能力，在打造这个模式的过程中，小米喂了数十万张 Leica M9 的照片，建立起一个映射色彩的大模型，最终提取出一个名为「德味」的特征向量，将手机拍摄的照片调整成符合 Leica M9 调性的样子。

理论上，如果你能得到这个模型，那么你可以将任何器材拍摄的照片，都调出正宗的「德味」——至此，德味从一种偏向玄学的主观感觉，变成了一种客观的、可复现的技术。

但代价随之而来，AI 是一把双刃剑，在色调极其还原的同时，我们发现样片中的路牌、招牌上的小字，偶尔会被 AI 重绘成难以辨认的乱码——这是典型的 AI 幻觉。虽然概率不大、字也很小，但作为一台「徕卡」的摄影作品，多少会让人有些心存芥蒂。

用 AI 加强画质并不是什么新鲜话题，但如果你深谙摄影史，难免会觉得这一幕有些荒诞——徕卡这个纪实起家的厂家，居然默许了这种对现实的微小篡改出现在打着可乐标的照片上。

更黑色幽默的是，在这台小米 17 Ultra by Leica 上，在这台机器上，徕卡还引入了 CAI 内容凭证（Content Authenticity Initiative），这项技术的初衷，是把照片的元数据锁死，用来证明「这张照片是真实的，未被篡改的」。

这种微妙的矛盾，值得玩味。

言归正传，虽然在 AI 话题上，徕卡出现了一点儿摇摆，但从小米 17 Ultra by Leica 这台手机，我们还是可以看出一条核心的主线——小米和徕卡合作的本质，是「品味」的数字化，再说清楚一些，是「德味」的数字化。

纪实？太过于纯粹；传承？又有些夸张；而德味，刚刚好处于文化和实用两者的中间地道，成为徕卡与小米最好的合作载体。

文章的最后，我想把视线拉回一百年前。

1925 年，当奥斯卡·巴纳克发明 Leica I 时，他肯定想不到，一百年后，相机已经进化成了每个人口袋里那个最习以为常的器官。

从 M3 定义了旁轴的精密，到 M9 留住了 CCD 的余晖，再到 Q3 把徕卡带给大众，到今天，小米 17 Ultra by Leica，接过了这一棒。

它是徕卡的百年纪念，也是小米里程碑中，真正能立得住的一座，乃至在若干年后回看，这台手机的份量也值当多用些笔墨——

对于徕卡来说，这是一家百年的传统影像厂家的「纵身一跃」——虽然近年来营收和市值都在稳步上升，但难逆传统影像行业的停滞趋势，想要进一步将品牌和生意纬度做大，就必须在移动时代有所作为，而小米 17 Ultra by Leica，可以说是徕卡与智能手机参与最多、介入最深的一次合作，虽然尚有些彷徨和矛盾没处理好，但从首次将看家本领搬出来，就已经能清晰地看到它紧跟时代的野心；

而对小米来说，小米 17 Ultra by Leica 的出现，带来的是一种让自家产品都感到窒息的压迫感——从样片表现来看，在浓郁厚重的影调面前，以往我们熟悉的徕卡经典和徕卡生动，总让人觉得差点意思，如果再考虑到小米 17 Ultra by Leica 7999 元起步的价格，这份冲击就更具分量了。

这种价格与体验的双重落差，揭示了一个残酷的真相：徕卡官方下场，让小米 17 Ultra by Leica 以一己之力，完成了对小米历代 Ultra 的背刺，将「德味」一词，拨乱反正。

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《花样年华》里，苏丽珍穿着一身繁复的旗袍，提着老式的铝制保温壶，下楼去买云吞面。

这本是一件琐碎小事，但在王家卫的慢镜头里，旗袍摇曳的幅度和那一低头的落寞，都被放慢的时间镀上了一层金边。

现实里的时钟是无情的匀速，导演之所以伟大，是因为他利用慢动作打破了这种匀速，把心里的感觉具象化了。慢动作，是导演手里的聚光灯，它在宣告：别看别处，看着她。

这种「特权」的巅峰，在格莱美的红毯上。

在格莱美的颁奖礼上，不论是 Lady Gaga 霸气地甩动裙摆，还是 Ariana Grande 俏皮的回眸，在放慢的时间下，都呈现出一种惊人的质感：

前半段是常速的准备动作，中间突然降速，发丝在空中悬停，裙摆像花瓣一样绽开，眼神里的光被无限放大。

那一刻，她们不像是在走红毯，更像是神祇降临人间。

但为了留住这几秒钟的「神性」，好莱坞付出了奢侈的代价——那是一台名为 Bolt Cinebot 的高速机械臂系统。这头重达几百公斤、造价几十万美金的钢铁怪兽，通常只有顶流巨星才配享用。

这就是过去拥有「高光」的门槛——沉重的、昂贵的，且遥不可及的。

那时候，我们只能作为观众，隔着屏幕羡慕这种「主角光环」，但难免在心里嘀咕：

难道我的青春，只有平铺直叙，不能拥有一秒钟的「格莱美时刻」吗？

把几十万的机械臂，装进口袋里

影像技术的发展很有意思，它总是先服务于极少数人，然后在一个平常的早晨，突然来到所有人手上。

vivo S50 做了一件很「讨巧」、但也很大胆的事——不再满足于拍一张清晰的照片，也不再满足于拍一张会动的实况照片，而是把几十万美金的机械臂、格莱美红毯的运镜逻辑，塞进了这个只有几毫米厚的机身里，并给这个功能起了一个很贴切的名字——「高光慢动作」。

把这种工业级的审美特权下放，最难的从来不是技术移植，而是如何让普通人也能「零门槛」上手。

vivo S50 的答案很直接：消灭所有操作与参数，不需要你懂什么叫光流法，不需要你研究什么叫帧率，也不需要你像个专业剪辑师一样回家用电脑打关键帧，只需要做主角，剩下的脏活累活，全都丢给手机。

这就是我拿到 vivo S50 后，觉得最惊喜的地方——极度的「傻瓜化」。

在这个人人喊着「AI 赋能」的时代，vivo 选择用 AI 来做减法。

拿起 S50，唤醒相机，切到你最熟悉的实况模式，你会发现在这里，多了一个通往格莱美的入口，点开它，屏幕上会出现一个简洁的提示框，向你发出一句无声的导演指令：

来，请在这个位置，准备你的高光时刻。

你要做的非常简单：把脸放进那个框里。

不需要你去预判快门时机，也不用担心手抖，只需要按下拍摄键，后台不知疲倦的芯片开始飞速运转，在随后几秒钟里，AI 就像一位经验丰富的剪辑师，在几毫秒内把画面拆解、分析，计算风吹过发丝的最佳速度，寻找眼神光最亮的那一帧。

最后，在最恰当的节点，把时间的流速降下来、再自然地恢复常速。

这些原本需要在电脑前耗费数小时的后期工程，都发生在你毫无感知的后台，在短暂等待后，一条「前段自然铺垫，后段华丽慢放」的格莱美级短片，就已经生成完毕了。

当然，年轻的眼光总是挑剔的——光有节奏感还不够，我们寻求的是真正省心的全套服务。

大家为什么现在越来越不喜欢高清数码味？——太假、太锐利、太没有温度。

所以，除了让你变慢的魔法，vivo S50 还藏了两个杀手锏，专门解决「味道」的问题。

首先，它要守住你颜值的底线。

不知道你有没有这种困扰：很多手机的实况照片，虽然动起来了，但脸上的磨皮重得像个塑料假人，或者白得像刚刷了墙。

这很不酷，现在的审美，要的是「原生感」。

vivo S50 的「清透自然人像」技术，守住的是质感的底线，拒绝那种假惺惺的死白磨皮，保留了皮肤真实的纹理和质感。

你的毛孔是会呼吸的，你的雀斑是可爱的，你的肤色是健康的，vivo S50 只负责把光打好，把气色提亮，但那个鲜活的、真实的你，它一点都没动。

有了这张干净通透的「底」，接下来才是真正的重头戏——「四大 CCD 滤镜」。

这几年 Y2K 复古潮回流，CCD 相机被炒到了天价，仿佛回到千禧年的低像素、高颗粒感，本身就是一种情绪，而 vivo 直接把这种情绪做进了手机里，而且一口气给了你多种选择。

当你套上这些滤镜，画面瞬间就有了一种胶片电影的质感，「假日」来自富士胶片模拟，给出红橙绿青的答案，「暖光」则沿袭柯达经典负片的影调，「胶片蓝/绿」取材于理光的正负片滤镜，无论什么风格，只要你喜欢，这里都有。

不需要你去闲鱼高价淘老相机，也不用忍受繁琐的导图流程。在这里，迷人的复古颗粒感和最先进的 AI 算法达成了一种奇妙的共识。

懒人美学的胜利

「高光慢动作」的节奏、「CCD 滤镜」的色调、「清透自然人像」的质感。

把这三样东西加在一起，你会得到一种「懒人美学」的极致胜利。

在这里，懒是一种不带贬义的松弛——刻意雕琢的精致，往往带着一股紧绷感；而真正动人的，往往是那种举重若轻的随手拍。

这是一个「精致疲劳」的时代。我们想要好看，但我们更想要毫不费力地好看。

于是，vivo S50 没打算给你上摄影课——不教育你如何构图，也不强迫你学习摄影理论，你想怎么按快门，就怎么按快门；然后又把原本需要你导入电脑、用 PR 剪辑、用 AE 做变速、再进 PS 调色的复杂流程，折叠进后台，在 AI 的帮助下，一键成片。

从这个角度来看，这种懒人美学，其实很贴合影像的进化——绘画用了几千年去描摹皮囊，摄影用了几百年去复刻真实，但人心的进化远比技术狂野，我们早已不满足于仅仅更方便地证明「我来过」，我们渴望的是「我耀眼过，且耀眼得轻盈」。

回到开头那个《花样年华》的故事。

如果苏丽珍手里有一台 vivo S50，她还需要等待王家卫来喊 Action 吗？

我想她不需要。

我们每个人，其实都是自己这部人生长镜头的导演，只是很多时候，我们被琐碎的日常淹没，忘了自己原本可以很耀眼。

此时，vivo S50 是一个可以把时间揉碎了、捏慢了、再重新上色的工具，提醒我们：生活大多时候是常速流逝的流水账，但总有那么几个瞬间，值得我们按下「慢放键」，好好端详。

不需要多么宏大的场景，也不需要多么昂贵的道具，哪怕只是下楼便利店买的一瓶汽水，只要节奏对了，光影对了，就是属于你一个人的电影时刻。

下次拍照，试着让时间慢一点，毕竟，在这平庸的匀速世界里，只有你能决定，哪一刻值得被拉长。

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《花样年华》里，苏丽珍穿着一身繁复的旗袍，提着老式的铝制保温壶，下楼去买云吞面。

这本是一件琐碎小事，但在王家卫的慢镜头里，旗袍摇曳的幅度和那一低头的落寞，都被放慢的时间镀上了一层金边。

现实里的时钟是无情的匀速，导演之所以伟大，是因为他利用慢动作打破了这种匀速，把心里的感觉具象化了。慢动作，是导演手里的聚光灯，它在宣告：别看别处，看着她。

这种「特权」的巅峰，在格莱美的红毯上。

在格莱美的颁奖礼上，不论是 Lady Gaga 霸气地甩动裙摆，还是 Ariana Grande 俏皮的回眸，在放慢的时间下，都呈现出一种惊人的质感：

前半段是常速的准备动作，中间突然降速，发丝在空中悬停，裙摆像花瓣一样绽开，眼神里的光被无限放大。

那一刻，她们不像是在走红毯，更像是神祇降临人间。

但为了留住这几秒钟的「神性」，好莱坞付出了奢侈的代价——那是一台名为 Bolt Cinebot 的高速机械臂系统。这头重达几百公斤、造价几十万美金的钢铁怪兽，通常只有顶流巨星才配享用。

这就是过去拥有「高光」的门槛——沉重的、昂贵的，且遥不可及的。

那时候，我们只能作为观众，隔着屏幕羡慕这种「主角光环」，但难免在心里嘀咕：

难道我的青春，只有平铺直叙，不能拥有一秒钟的「格莱美时刻」吗？

把几十万的机械臂，装进口袋里

影像技术的发展很有意思，它总是先服务于极少数人，然后在一个平常的早晨，突然来到所有人手上。

vivo S50 做了一件很「讨巧」、但也很大胆的事——不再满足于拍一张清晰的照片，也不再满足于拍一张会动的实况照片，而是把几十万美金的机械臂、格莱美红毯的运镜逻辑，塞进了这个只有几毫米厚的机身里，并给这个功能起了一个很贴切的名字——「高光慢动作」。

把这种工业级的审美特权下放，最难的从来不是技术移植，而是如何让普通人也能「零门槛」上手。

vivo S50 的答案很直接：消灭所有操作与参数，不需要你懂什么叫光流法，不需要你研究什么叫帧率，也不需要你像个专业剪辑师一样回家用电脑打关键帧，只需要做主角，剩下的脏活累活，全都丢给手机。

这就是我拿到 vivo S50 后，觉得最惊喜的地方——极度的「傻瓜化」。

在这个人人喊着「AI 赋能」的时代，vivo 选择用 AI 来做减法。

拿起 S50，唤醒相机，切到你最熟悉的实况模式，你会发现在这里，多了一个通往格莱美的入口，点开它，屏幕上会出现一个简洁的提示框，向你发出一句无声的导演指令：

来，请在这个位置，准备你的高光时刻。

你要做的非常简单：把脸放进那个框里。

不需要你去预判快门时机，也不用担心手抖，只需要按下拍摄键，后台不知疲倦的芯片开始飞速运转，在随后几秒钟里，AI 就像一位经验丰富的剪辑师，在几毫秒内把画面拆解、分析，计算风吹过发丝的最佳速度，寻找眼神光最亮的那一帧。

最后，在最恰当的节点，把时间的流速降下来、再自然地恢复常速。

这些原本需要在电脑前耗费数小时的后期工程，都发生在你毫无感知的后台，在短暂等待后，一条「前段自然铺垫，后段华丽慢放」的格莱美级短片，就已经生成完毕了。

当然，年轻的眼光总是挑剔的——光有节奏感还不够，我们寻求的是真正省心的全套服务。

大家为什么现在越来越不喜欢高清数码味？——太假、太锐利、太没有温度。

所以，除了让你变慢的魔法，vivo S50 还藏了两个杀手锏，专门解决「味道」的问题。

首先，它要守住你颜值的底线。

不知道你有没有这种困扰：很多手机的实况照片，虽然动起来了，但脸上的磨皮重得像个塑料假人，或者白得像刚刷了墙。

这很不酷，现在的审美，要的是「原生感」。

vivo S50 的「清透自然人像」技术，守住的是质感的底线，拒绝那种假惺惺的死白磨皮，保留了皮肤真实的纹理和质感。

你的毛孔是会呼吸的，你的雀斑是可爱的，你的肤色是健康的，vivo S50 只负责把光打好，把气色提亮，但那个鲜活的、真实的你，它一点都没动。

有了这张干净通透的「底」，接下来才是真正的重头戏——「四大 CCD 滤镜」。

这几年 Y2K 复古潮回流，CCD 相机被炒到了天价，仿佛回到千禧年的低像素、高颗粒感，本身就是一种情绪，而 vivo 直接把这种情绪做进了手机里，而且一口气给了你多种选择。

当你套上这些滤镜，画面瞬间就有了一种胶片电影的质感，「假日」来自富士胶片模拟，给出红橙绿青的答案，「暖光」则沿袭柯达经典负片的影调，「胶片蓝/绿」取材于理光的正负片滤镜，无论什么风格，只要你喜欢，这里都有。

不需要你去闲鱼高价淘老相机，也不用忍受繁琐的导图流程。在这里，迷人的复古颗粒感和最先进的 AI 算法达成了一种奇妙的共识。

懒人美学的胜利

「高光慢动作」的节奏、「CCD 滤镜」的色调、「清透自然人像」的质感。

把这三样东西加在一起，你会得到一种「懒人美学」的极致胜利。

在这里，懒是一种不带贬义的松弛——刻意雕琢的精致，往往带着一股紧绷感；而真正动人的，往往是那种举重若轻的随手拍。

这是一个「精致疲劳」的时代。我们想要好看，但我们更想要毫不费力地好看。

于是，vivo S50 没打算给你上摄影课——不教育你如何构图，也不强迫你学习摄影理论，你想怎么按快门，就怎么按快门；然后又把原本需要你导入电脑、用 PR 剪辑、用 AE 做变速、再进 PS 调色的复杂流程，折叠进后台，在 AI 的帮助下，一键成片。

从这个角度来看，这种懒人美学，其实很贴合影像的进化——绘画用了几千年去描摹皮囊，摄影用了几百年去复刻真实，但人心的进化远比技术狂野，我们早已不满足于仅仅更方便地证明「我来过」，我们渴望的是「我耀眼过，且耀眼得轻盈」。

回到开头那个《花样年华》的故事。

如果苏丽珍手里有一台 vivo S50，她还需要等待王家卫来喊 Action 吗？

我想她不需要。

我们每个人，其实都是自己这部人生长镜头的导演，只是很多时候，我们被琐碎的日常淹没，忘了自己原本可以很耀眼。

此时，vivo S50 是一个可以把时间揉碎了、捏慢了、再重新上色的工具，提醒我们：生活大多时候是常速流逝的流水账，但总有那么几个瞬间，值得我们按下「慢放键」，好好端详。

不需要多么宏大的场景，也不需要多么昂贵的道具，哪怕只是下楼便利店买的一瓶汽水，只要节奏对了，光影对了，就是属于你一个人的电影时刻。

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不知道你们有没有注意到，影像圈子有个很有意思的趋势：我们过去常说手机在追赶相机，但到了 2025 年，在手机的紧逼下，相机也卷起来了。

随着计算摄影的突飞猛进，大众的日常记录需求早已被手机覆盖，御三家的专业相机被迫退守，将主赛道全面切换向「视频生产力」。此时，微妙的矛盾出现了——

手机因为底小，很早就普及了堆栈式传感器，实现了极速抓拍和高速传输数据。而在专业相机领域，传统传感器无法满足高规格视频的需求，可全画幅尺寸的堆栈式传感器成本又居高不下，怎么办？

在智能手机与相机竞品的共同挤压下，索尼祭出了 A7M5，试图在成本与性能之间，寻找那个极其狭窄的平衡点。

速度与画质的交易

索尼 A7M5 最核心的变化，藏在机身内部这块 3300 万像素的部分堆栈式传感器——请记住这个名字，这是该技术第一次正式出现在索尼 Alpha 家族的机身上。

要理解部分堆栈式传感器，得先看看它的前辈们。

前代 A7M4 使用经典的背照式传感器（BSI），相比前照式传感器，背照式传感器把电路挪到了背面，光电二极管紧挨着彩色滤光片，解决了进光量不足的缺点，但它的问题在于数据跑道不够宽，一旦数据量大，读取速度就会明显拖后腿。

为了解决这个问题，索尼研发了堆栈式传感器，将原本在一块晶圆上打造的像素区域与处理回路分别打造，再重叠堆放，以获取更高的数据传输速度，但它的问题在于造价极贵，往往用于 a9 系列这样的旗舰速度机和 a1 系列这类旗舰全能产品。

A7M5 用的部分堆栈 CMOS，则是介于两者之间的精明折中，保留了背照式的底子，但在传感器边缘加盖了一圈「高速缓存区」，以此大幅提升数据吞吐效率。

这项技术的优势简单粗暴——速度。而这份速度，配合索尼 BIONZ XR2 处理器，直接解开了困扰 A7M 系列多年的两道封印：连拍与视频。

这里有一个极易被忽视的技术细节：RAW 文件的位深（Bit-depth）。

很多相机为了冲刺超高速连拍，会将 RAW 文件从 14bit 降级为 12bit。这丢失的 2bit 数据，意味着色彩断层的风险增加，后期空间压缩。

而索尼 A7M5 可以实现每秒 30fps 下维持 14bit RAW 无损输出——这个数据，是 A7M4 无法比拟的。

从视频规格来看，A7M 系列第一次迎来 7K 超采的 4K 60p 无裁切的录制，A7M4 时代那个让人难受的 60 帧裁切视角，终于成为了历史，配合 A1 II 同款的 AI 对焦芯片，它在单兵作战的视频拍摄上，实用性大幅提升。

遗憾的是，我们还是没有在 A7M5 上等到利用整块 3:2 传感器的 Open Gate 的出现，对于那些需要一条素材剪出横竖两个版本、或者需要后期大幅二次构图的创作者来说，的确不够灵活。

不过，天下没有免费的午餐，在影像技术上，速度与画质有着天然的矛盾——

使用堆栈式传感器的高速相机往往会在某段 ISO 出现动态范围折损的问题，比如使用堆栈式传感器的索尼 A9，为了实现 20fps 连拍和无黑屏，它的电路层极其复杂，读出速度极快，但代价是高频的读出电路会引入额外的电子底噪，在 ISO 100 的基准感光度下，比 A7R2 的动态范围低了约 0.5-1 档。

这个「物理魔咒」，同样延续到了 A7M5 所采用的部分堆栈传感器上，虽然官方宣称拥有 16 级动态范围，但物理规律告诉我们，部分堆栈结构往往会在信噪比上做出妥协，参考目前市面上采用同类技术的机型，它们都在基础 ISO 和中段 ISO 表现出了信噪比下降的趋势。这意味着如果你强行提亮暗部，噪点会比以往更多；在面对大光比的日落或风光时，高光拉回的余地也不如传统的背照式传感器那么宽裕。

松下的解决方案是增加一个复杂的「DR Boost」开关，让用户在「速度」和「画质」之间二选一，索尼 A7M5 很可能也会面临同样的物理墙，对于主拍风光、极其在意静态画质纯净度的用户来说，这需要做好心理准备：它变快了，但画质的具体表现还有待考察

得益于传感器和处理器的升级，索尼 A7M5 的续航也有相应的提升，来到了 750 张。

颇有趣味的是，在解析完部分堆栈式传感器后，你会发现这块 CMOS 与 A7M 系列的定位，可谓相得益彰——

众所周知，索尼 A7 家族的牌桌上分工明确：R 系列死磕极致画质，S 系列剑指暗光视频，而留给 M 系列的任务看似中庸，实则最难——它要在两者之间寻找那个完美的最大公约数。

而这块传感器，既避开了全堆栈的昂贵，又甩开了传统背照式的迟缓，它在物理结构上的「折中」，恰好对应了 M 系列在市场定位上的均衡，称得上天作之合。

如果用一句话定义 A7M5，那就是：它是画质与速度这对由于物理铁律而无法共存的矛盾，在博弈与妥协之后，结出的果实。

看完了 A7M5 的核心参数，我们将视线转回机身，索尼 A7M5 延续了一贯的家族式设计，与 A7R5 比较类似，总体与 A7M4 相比，没有过大改动，但在小细节上，还是有些升级——

A7M5 采用自家老大哥 A1M2 的 3.2 英寸的四向翻折触控屏，同时在接口上，抛弃了颇有怀旧感的 Micro-USB，取而代之的是更符合现代工作流的 双 USB-C 接口。

最后，是索尼标志性的「精准刀法」。

A7M5 虽然配备了双卡槽，但采用的是 「1 个 SD/CFe A 混合卡槽 + 1 个纯 SD 卡槽」 的组合，也就是说你无法使用双 CFe 卡进行最高规格的高速连拍备份，索尼刀法名不虚传。

索尼 A7M5 的最终售价为 17999 元。

真正的「护城河」，不是机身

看完上面的内容，你可能会觉得 A7M5 是一台优缺点都很明显的相机。

但数码相机，不同于我们熟悉的手机等消费电子产品，它的生命周期远比我们想象的要漫长。

一旦把时间轴拉长，你就会发现，影像厂商之间的战争，从来不是靠一代产品、或者一两台机身的输赢来决定的。在这场马拉松里，评价一台相机的维度变得复杂而深远——机身重要，生态也同样重要。

索尼 A7M5 背后，是 E 卡口镜头的庞大帝国，这才是索尼最可怕的地方。

经过十年的深耕，E 卡口拥有目前地球上最庞大、最完善、也是最亲民的镜头群：

• 你想买顶级镜头？索尼自家的 G 大师系列数不胜数。
• 你预算有限？适马、腾龙甚至唯卓仕等国产品牌，为你提供了海量的「平替」。

这是索尼的存量优势。

对于一个摄影爱好者，或者是刚成立的小型工作室来说，买相机不是一锤子买卖。你买得起佳能 R6 III 的机身，但当你看到佳能 RF 镜头高昂的价格，且几乎没有副厂选择时，那个「准入门槛」是巨大的。

而索尼这边的画风完全不同。你买回 A7M5，转头就能用极低的成本，在二手市场或者副厂新品里淘到素质极佳的镜头。

从某种意义上来说，这像极了 Windows 和 macOS。

虽然 A7M5 在 Open Gate 上略显遗憾，没有佳能 R6 III 那种破釜沉舟的力度，但在商业逻辑上，A7M5 依然是一台极度成熟的机器：经济高效的编码格式、优秀的曲线，部分堆栈和 AI 解决了速度的问题，用 3300 万像素保留了甜点级的画质体验，然后转身指了指身后那片浩如烟海的镜头群——

那里，才是它真正的杀手锏。

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